博物馆新媒体

1、新媒体主要是指什么？？

新媒体主要包括基于技术进步引起的媒体形态的变革，尤其是基于无线通信技术和网络技术出现的媒体形态，如数字电视、IPTV、手机终端等；二是随着人们生活方式的转变，被应用于信息传播的载体，例如楼宇电视、车载电视等。具体有：

1、手机媒体

借助手机进行信息传播的工具。手机媒体真正跨越了地域和电脑终端的限制，拥有声音和振动的提示，能够做到与新闻同步；接受方式由静态向动态演变，受众的自主地位得到提高，可以自主选择和发布信息，信息的及时互动或暂时延宕得以自主实现，使得人际传播与大众传播完满结合。

2、数字电视

数字电视就是从演播室到发射、传输、接收的所有环节都是使用数字电视信号或对该系统所有的信号传播都是通过由0和1数字串所构成的数字流来传播的电视类型。数字信号的传播速率是每秒19.39兆字节，如此大的数据流的传递保证了数字电视的高清晰度，克服了模拟电视的先天不足。

3、互联网新媒体

互联网新媒体包括网络电视、博客、播客、视频、电子杂志等。网络电视以宽带网络为载体，通过电视服务器将传统卫星电视节目经重新编码成流媒体，经网络传输给用户收看的视讯服务；电子杂志是用Flash的方式将音频、视频、图片、文字及动画等集成展示的一种新媒体。

4、户外新媒体

户外新媒体有别于传统的户外媒体形式（广告牌、灯箱、车体等）的新型户外媒体。户外新媒体以液晶电视为载体，如楼宇电视、公交电视、地铁电视、列车电视、航空电视、大型LED屏等，主要是新材料、新技术、新媒体、新设备的应用，或与传统的户外媒体形式的相结合。

(1)博物馆新媒体扩展资料：

新媒体根据使用主体及受众群体的变化，可划分为精英媒体阶段、大众媒体阶段以及个人媒体阶段。

1、精英媒体阶段

在新媒体诞生之初的相当一段时间内，仅有为数不多的群体有机会接触新媒体，并使用新媒体传播信息，这部分人多数是媒介领域的专业人士，具有较高的文化素质及社会阶层身份，因此这一时期是精英媒体阶段。

2、大众媒体阶段

当新媒体大规模发展并得到普及时，其发展历程就进入到了大众媒体阶段。由精英媒体向大众媒体发展，离不开媒介技术进步所带来的传播成本的下降，新媒体以更低廉的传播成本、更便捷的传播方式以及更丰富的信息传播内容成为一种大众媒体。

3、个人媒体阶段

伴随着新媒体技术的不断发展及普及，以往没有占据媒体资源和平台，且具备媒介特长的个体，开始逐渐通过网络来发表自己的言论和观点，通过平台展示给受众，这是个人媒体阶段到来的一个标志。

2、互联网如何改变博物馆？

随着科技的发展，如今的博物馆吸引了越来越多核心观众以外的群体，通过新的藏品阐释手段找到新的观众。例如博物馆将藏品数字化，为展览增添多媒体元素，让公众在社交媒体上分享体验。故宫博物院正顺应了“互联网+”的发展趋势，将数字技术作为文化发展的重要引擎，借助互联网和新技术平台，把故宫广博的文化资源分享给社会公众。

去年国际博物馆日活动中，故宫博物院发布第九款应用“故宫社区”，首次提出了社区化概念，这是新媒体互动性产品的又一次有益尝试。经过3年努力，故宫博物院已建成“数字故宫社区”。其中“数字故宫”在线项目，包括全景故宫、故宫出品系列APP，以及数字展厅里分享的古建筑修缮、藏品保护、科学研究、文化传播等各个方面最新进展和最新成果。而数字博物馆更是将智慧旅游与文物展示相结合，为广大观众呈现出一个更丰富、多元、精彩的“数字故宫”。

2016年，在第四届文化遗产保护与数字化国际论坛上，“故宫出品系列APP+V故宫”荣获首届数字遗产最佳实践案例大赛最高奖——最佳实践奖。实践证明，博物馆的文化传播，只要认真研究网络受众的心理特征和兴趣特点，找到灵活多样的传播方式，就可以把“阳春白雪”的内容变得“喜闻乐见”。 来源：人民日报

3、为什么博物馆吸引力不足?

1、很多博物馆发展定位不清晰，造成千馆一面和重复建设。有些博物馆的建设既不是为了藏品征集也不是为了科学研究，就是单纯为了拉动GDP；而一旦没有这些扎实的工作做基础，也就不可能满足广大人民群众的文化需求。
2、社会化程度有限。大部分公立性质的博物馆仍然如同衙门一样高高在上，没有摆正自己的位置，没有真正向社会开放，基本不借助社会的监督、评价意见和建议来改善工作。
3、宣教传播模式陈旧。互联网、多媒体、新媒体等技术手段应用较少，数字博物馆就更谈不上了。传统方式，如果不配合讲解（现在一般都收费，而且价格高昂），仅靠实物和文字说明，观众很少能够看懂，因此多数人去博物馆还停留在看稀罕的层面；能反复多次看同一陈列的观众极少

4、运用联系观点,分析人民日报新媒体是如何打造时光博物馆的？

1.世界是普遍联系的，要求我们用联系的观点看问题。看到5G技术与周围事物的联系，
2、事物的联系具有客观性，要求我们从事物固有的联系中把握事物，切忌主观臆造联系。

3、事物的联系具有多样性，要求我们一切以时间、地点和条件为转移，抓住机遇，利用有利条件，克服不利条件。

4.整体居于主导地位，整体统帅着部分。要求我们必须树立全局观念，立足整体，统筹全局，选择最佳方案，实现整体的最优目标。

5、部分影响整体，关键部分的功能及其变化甚至会对整体的功能起决定作用。要求我们必须重视部分的作用，搞好局部，用部分的发展推动整体的发展。

6、坚持系统优化方法

具体请结合材料

总结不易 望采纳！

5、博物馆光影艺术家在国内有哪些人比较知名？新媒体方面比较牛一点的？

成都的麓湖生态艺术馆就是光影艺术和新媒体方面做的很牛的项目，我去看过，印象挺深，与人之间有很强的互动，好像是杨毅斌设计的，挺有想法的设计师。是麓湖地产的企业博物馆，现在企业博物馆越来越多了，特别是房地产，打文化牌，设计一个博物馆B格就上去了。

6、求解？博物馆设计师杨毅斌的作品该如何理解？是属于新媒体类设计吗？

杨毅斌的作品你要想理解呢，最好亲自去体验一下，因为好的设计作品最终的意义就是人的体验嘛！要说属不属于新媒体类的设计，应该是属于的。像他设计的北京馆、麓湖生态艺术馆还有乐山水晶博物馆，都有和新媒体的融合。

7、为什么年轻人正在成为博物馆的主要观众

原文在这里
我有限的记忆里，第一次参观博物馆的经历绝对称不上愉快：那是一次小学组织的 " 爱国主义教育 " 集体活动，不知道是因为老师 " 不准喧哗打闹 " 的训诫还是那个高大、昏暗建筑物里散发出的令人惶恐的气味，一群混世魔王般的小孩只敢排着队，默读着指示上难懂的字句，悄悄地走过货架一般的展柜。走着走着，远处传来女孩儿们的尖叫和大人的训斥 —— 当我们参观到那里时才发现，眼前是泡在匣子里的烈士人头。
而现在，博物馆在我脑海里挺 cult 的形象早已被拥挤的场景代替。在见识过苏州博物馆整条街呈贪吃蛇状的排队观众时，2011 年这条 "湖北博物馆排长队免费参观" 的报道看起来也太大惊小怪了；当我还在为国家博物馆去年的中法建交 50 周年特展上长枪短炮的观众们为抢占拍摄雷诺阿名画的最佳位置时剑拔弩张的样子感到震惊时，今年故宫博物院的 " 石渠宝笈 "，一个不允许拍照的特展就刷爆了我的朋友圈：分享全程攻略的、表示 " 排队排到腿肿但看到清明上河图的一瞬间幸福感满满！" 的，甚至还出现了 " 故宫跑 " 一词，专门用来形容为了观众为抢占排队先机，一路从午门狂奔到武英殿的情形。
尽管在不少人的眼里， " 博物 " 、" 文物 " 、" 历史 " 依然是盘着手串、守在家里看鉴宝节目的中年人专属名词，可无论从朋友圈的照片还是实打实的数据来看， " 去博物馆 " 这事的确已经成了 " 青年文化 " —— 根据 2009 年韩爱霞发布的论文《我国博物馆旅游创新开发模式研究》中的调查数据显示，随着博物馆观众的增多（仅 2014 年全国博物馆观众已达到 8.3 亿人次，2013 年的数据是 6 亿），博物馆观众也越来越年轻了：18 至 30 岁的观众占了全体观众的 83%；青年学生越发成为博物馆观众的主体。在全体观众中，有 51% 是学生。
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除了那些本身对历史就有喜好的人外，很多人去博物馆的一大原因，是因为这种深入探索至少会让你看起来像个深刻的人。随着不少博物馆的职能从 " 反正这些东西是搞研究用的你们爱看不看 " 转变为 " 这个展览可能会对你有启发 "， 更用心的展品陈列、更美观的布展、更符合年轻人需求的解说词，甚至仅仅是个便捷的语音导览器，都会让年轻人觉得：嗯，这地儿适合我。
博物馆与旅游业有着密不可分的关系。当越来越多的年轻人把 " 趁着年轻到这个世界去看看 " 变为实际时，路上的他们在宣传着 " 深度旅行 " 的指南影响下，想看到的世界可要比旅游景点们深太多了。所谓 " 深度、有文化内涵 " 的旅行，最直接最方便的方式，也就是逛逛当地的博物馆 —— 那里是你能最快了解一个地方的历史、风土、甚至文化事业发展水平的地方。
就这样，一个个吵着要看世界的孩子们纷纷变成了 " 博物馆控 "。他们中的每一个都会在聊天时告诉你：" 无论去哪儿，当地的博物馆必须得去。" 甚至还会因为感兴趣的博物馆而去规划一次旅行。而另一方面，" 博物馆爱好者 " 的身份也许会让你在社交网络上更受欢迎 —— 在一个同城博物馆爱好者的 QQ 群里，一个叫哲璨的 " 博物馆爱好者 " 就这么跟我说： " 其实一开始就是装 X 去的，拍了些觉得还不错的照片，加了些自己的感受发到朋友圈里，结果那天收到了不少 ‘没想到你这么有思想’ 或者 ‘生活真充实’ 的赞扬。结果后来再去，就是真的喜欢上博物馆了。"

图片来源
和许多新兴的生活方式一样，新媒体在 " 去博物馆 " 这件事上发挥的作用也不能忽视。《够了！朕想静静》、《朕生平不负人——雍正帝与年羹尧相爱相杀的郎舅故事》、《从前有个皇帝他不好好读书，然后他就死了》…... 这些看上去经常会出现在你朋友圈的文章，的的确确来自故官文化服务中心的微信平台 " 故宫淘宝 " 。而且会让战战兢兢在微博上打软广的段子手们自愧不如的是，这些其实在为故宫的文化创意商品打广告的 " 硬广 " 们每一篇都有十万以上的阅读量。
在界面新闻对 @故宫淘宝 的 采访 中，" 主页君 " 表示：" 换个方法讲故事，其实也是大势所趋。我们现在的文章，虽然形式上更时尚，但内容上丝毫不敢有半点敷衍。发布出来的微信专题，看上去像段子，实际上是以正史为依据。这样做的目的，就是让更多的年轻人对故宫文化中包含的历史文化信息产生兴趣，从而吸引他们了解传统文化、历史知识。"
在看上去很繁荣的 " 新媒体时代 " 中，努力与年轻人互动的博物馆远不止故宫博物院一个 —— " 卖萌文物大赏 " 、 " 每日知识竞猜 " 、借热门话题营销，或是直接占领年轻人的手机 —— 一位以博物馆文物为拍摄题材的摄影师 @动脉影 在跟我谈到他为武汉市博物馆的 app 进行图片拍摄的故事时说：" 联系上我时，他们强调，不想只做那种脸谱化的文物图 —— 要有艺术感的、图录上看不到的那种。合作很顺利，因为他们的想法也很符合我的审美。"
除了社交媒体上的满足感和花样百出的官方宣传，" 仪式感 " 也是年轻人去博物馆的一大因素 —— 无论是决定吃煲仔饭而不是米线，还是听起来高深不少的 " 耕读 " 、 " 琴鹤 " ，只要不是满足最基本生理需求的事，即使听起来再没用也是仪式感。而我们的安全感和自我认同，正是建立在这些看似没用的事上面。
" 今年的讲解任务就完成了，" 国博的讲解志愿者嘭嘭刚刚在观众的簇拥中，讲解完了一场佛像造像展。在国家博物馆还叫中国历史博物馆时，她就已是第一批志愿者，今年是她作为义务讲解员的第十二年。我一边在国博的长廊里跟嘭嘭闲逛，一边听她讲作为志愿者的经历：从一开始痛苦的 " 背讲解词 " 阶段，到为了解决自己和观众的困惑查阅大量专业书籍，从唐宋器物到对青铜器的迷恋。
" 很多文物现在每次去看感觉就像老朋友一样 —— 从一开始见面，到了解它的过去，再到想象它被制造出来时的场景 ..…. 就这样看了它十年，而再过十年、二十年、三十年之后的我，面对着它又会是什么样子呢？" " 未来还会一直当志愿者吗？" " 直到我走不动道吧。" 做一个讲解志愿者，已经是本职为互联网公司员工的嘭嘭生活中似乎无法缺少的一部分。
而作为一名普通的观众，早起、排队的所带来的 " 仪式感 " 也已成为了展览体验中重要的一部分。 " 看展前，一看有清明上河图就知道肯定得排队，提前预约了门票，定了六个闹钟后早上七点多到了午门，" 来自 " 博物馆扫荡组 " 的成员小白告诉我。" 博物馆员工给了我一个牌，上面写着 782 号 —— 你能想象么，有 781 个人比我去得更早。八点半进宫排队，盯着前面的指示牌从 ‘预计还有五小时’ 到 ‘还有一小时’，期间完全不敢喝水，下午两点多才进了武英殿。看完展已经快闭馆了。特别特别难忘的一次体验。"
" 那，当你看到清明上河图真迹的时候有什么感受吗？" 我问。
" 太美了但 ...... 憋一天了，满脑子都是想冲出去上厕所。"

8、新媒体有哪些,各有什么特点和趋势?

就是网络媒体,也叫第四媒体
人们按照传播媒介的不同，把新闻媒体的发展划分为不同的阶段——以纸为媒介的传统报纸、以电波为媒介的广播和基于电视图像传播的电视，它们分别被称为第一媒体、第二媒体和第三媒体。
1998年5月，联合国秘书长安南在联合国新闻委员会上提出，在加强传统的文字和声像传播手段的同时，应利用最先进的第四媒体——互联网（Internet）。自此，“第四媒体”的概念正式得到使用。
将网络媒体称为“第四媒体”，是为了强调它同报纸、广播、电视等新闻媒介一样，是能够及时、广泛传递新闻信息的第四大新闻媒介。从广义上说，“第四媒体”通常就是指互联网，不过，互联网并非仅有传播信息的媒体功能，它还具有数字化、多媒体、实时性和交互性传递新闻信息的独特优势。因此，从狭义上说，“第四媒体”是指基于互联网这个传输平台来传播新闻和信息的网络。“第四媒体”可以分为两部分，一是传统媒体的数字化，如人民日报的电子版，二是由于网络提供的便利条件而诞生的“新型媒体”，如新浪网。
人类的每一次技术进步都会带来艺术上的巨大变革，比如透视学和几何学的发展影响了文艺复兴时期的绘画；矿物和油料的提纯技术的发展影响了北部欧洲明朗而富有层次的油画塑造风格；机器生产的颜料和光学的研究的成果促成了外光写生和印象派的发展。在20世纪，在艺术和科学技术之间最大的发展就是图像技术对于艺术语言特殊影响作用。
艺术不仅要为社会创造视觉财富，同时也必然要对社会文化进行视觉化的思考。只有这样，艺术才能真正的实现自己的功能。本世纪以来，伴随着流行文化的发展和商业性电视节目的普及，艺术家们开始了对于图像化的视觉接受方式和生活方式的思考，另一方面，开始了用实用包括摄影、电影、电视在内的各种图像技术来从事这种思考和创作。从未来派开始，摄影和现成图像的拼贴就成为了艺术创作的重要方式；从激浪派的白南准开始，电视就开始作为一种新的视觉技术在个性化的视觉创造中得到广泛的应用。
在整个20世纪，摄影和电视乃至电影胶片都被从流行文化改造成艺术创作媒介。摄影本来是记录性和纪念性的工具，而艺术家则从中抽离出了摆拍和拼贴的技术手法，结合图像的本身的客观性，将其发展成为独特的个人叙述方式，从而出现了超现实主义的摄影、辛迪·谢曼的假“电影剧照”和杰夫·沃尔的伪“真实”等等。在录像艺术中，艺术家们结合电视的电子媒介特性，创造出和大众电视节目的不同的“艺术性电视节目”，从而出现了白南准的“电视电子画”、以及道格拉斯的“延长电影”等等。
二 就像摄影术和电影胶片是上个世纪之交的重大视觉技术发展一样，数码技术是一个新的世纪之交的视觉技术发展。同样，它也必然会影响到视觉艺术的发展。
拼贴和传统的暗房工艺中的多次曝光和多底合成，在技术上己被更方便也更强大的数码影像所替代。数码处理是图形的拼盘，它比起手工时代的暗房*作在技术上更圆熟完美。摄影的力量来自人们对其客观性的信任（尽管事实上他的客观性是可疑的），幻想世界式的数码蒙太奇在因为其貌似客观而获得信任的同时，埋下了无数的机关，吸引了长久和反复的凝视，客观形象摇摇欲堕的危机感带来了真假之间强大的张力。数码影像是拍摄之后对图片的处理，数码影像使得图片的体量变得无限，这样它比传统的摄影走得更远，于是出现了照片装置化。其实巴巴拉·库格所营造的铺天盖地的巨大的图文空间己经是一种装置性的“场”。
在录像艺术中，数码技术使录像短片轻松的分享了电影美学的许多成果――各种经典的电影时间处理手段适用于录像。如“闪回”作为逆转时间、激活记忆库存的倒叙手法；慢镜延缓时间以凸显微妙细节的戏剧性；切换中的时间拼接以改变叙事流程，取消因果关系甚至提示同时性的手法；快镜密集地压缩时间缩减事件过程以强化其符号意义等。但录像的时间处理在数字化方式下有着更大的弹性：画中画、多层叠画等各种数字特技所刨造的多种时间维度重叠交叉并行的种种关系，大大丰富了传统电影语言，三维动画造型的介入更是使任何奇思异想却可能成为视觉现实。
伴随着录像和录像装置的出现，互动性开始成为录像艺术超越其他传统艺术媒介的优势。而数码技术的发展在造就了CD-ROM和网络的同时也使原来那种用若干个电视屏幕或者昂贵的投影设备制造的互动性变得更加轻松的得到实现。
今天人们所谈论的多媒体艺术已经比线性演进的电影叙事厉害太多了，结合了视频、声音、文字的超级文本不但可以链接到无穷无尽的其他文本之中，更可以由多种路径进入，这已经使超级文本成了一座迷宫，而它所提供的互动性几乎使无穷无尽的。从目前人们设想的数码多媒体概念来看，今天的多媒体艺术还只是一个粗胚，我们还有更多的可能性去发掘。
多媒体对于艺术意味着综合性的某种复兴。我们知道现代主义时期是各种艺术门类自我净化的擂台，绘画要排除文学性乃至物象成为画布上的一些颜色，最终走到了抽象绘画。音乐要成为激浪派的那种纯粹的声响，摄影中出现了纯影派。古代艺术中，比如大教堂中，壁画、雕塑、管风琴和建筑空间协同起作用，渲染心理氛围的"场"的工作方式看来可能在多媒体中再次出现。就象教堂中的祭坛画搬到博物馆的聚光灯下就不再神秘，多媒体将把各种艺术再次捆绑在一起，营造出不可还原为组合要素的综合体验。
对于多媒体创作所需要的能力而言，传统分科的专业艺术训炼是远远不够的。这使创作成为多学科人才之间的一种协作，再加上我们已经意识到的数码作品在传播中多次再加工的特点，多媒体同样加剧了个人作者的匿名，就象荷马史诗并不是荷马的个人写作一样。我们在电影片尾长长的字幕中己经见识过这种集体创作的力量。另一方面这也可能为达芬奇式的全才的出现提供空间。多媒体艺术是正在出现的数码艺术品种，它吸纳了此前许多艺术方式之长，集图、文、影像、声音和互动性于一体，可述可论，也可以平直地铺陈，更可以单线深入，可能性极为丰富。我们今天所接触到的只是正在形成的冰山的一角，它的潜能还有待更多富有想象力的实践去开发出来。一旦互动性数码多媒体作品置身于网上成为网络艺术时，将大大加强了的观众参与程度，将巨大地改变我们传统的艺术概念。今天出现在网络上的艺术品绝大多数还是落后于网络本身的东西。你打开网上跟艺术有关的站点和主页，看到的还是油画、国画、雕塑。可这些东西都还不是真正跟网络般配的艺术。网络艺术当然应该是多媒体，当然必须是互动的，链接着无穷无尽的东西。
三 美国著名的文化理论家丹尼尔·贝尔曾经说过，从20世纪的下半期开始，人类已经由以读和写作为接受知识的主要方式，转变为以看和听作为主要的方式。尽管作为新保守主义的代表人物，丹尼尔·贝尔对于看听文化禀持着怀疑和批判的态度，但是显然从文字阅读转向图像阅读已经是一个不争的事实。电视、电影、网络和集声音、图像和文本为一体的电子读物的出现无疑会对人类的知识结构、认知方式以及行为方式产生重大的影响。伴随着全球化发展的必然趋势，中国在改革开放以来整个社会的文化传播方式也以一种加速度在向图像化方面发展。
文化和艺术的社会功能要求我们必然对这种图像阅读的潮流作出回应。回应的方式无怪乎有两种，一种是技术和视觉样式上的开拓，一种是用艺术的方式和视觉艺术的理论对图像阅读的时代特征进行思考，并将这种思考用符合这个时代视觉接受方式传达出来。因此，将数码影像艺术引入到当代艺术中来便具有特别的意义。艺术家对数码媒体的参与，往往凭借着丰富的艺术资源，所有的这些都能为数码技术在纯艺术和应用艺术上的运用提供新的可能性。他们的时间必然和商业性的数码技术公司有着积极的互补意义。和受市场制约的商业性数码技术公司相比，在艺术家的时间有着一定的前瞻性、探索性和学术性。艺术史中已有的艺术资源能使数码技术制造出更丰富、更奇特的视觉成果，满足着日益增长的社会精神需求，丰富着我们的社会生活。另一方面，数码技术作为一种艺术表现手法，同时运用在视觉艺术和实用艺术之间。所以在将数码影响纳入到艺术时间中来无疑是这两者之间的一个交换管道。它能有效的将纯粹个人的视觉创造有效的转换成社会性的视觉产品，同时又能将社会中已经出现的视觉现象系统和有效的转换成个人视觉创造的资源。
我们今天所说的高新技术，事实上是一个相对概念，即每一个时代都有自己时代的高新技术。新石器对旧石器而言，就是高新技术；青铜器对石器而言，就是高新技术；煤铁对以往而言，就是高新技术；工业化对它以前的时代，都是高新技术；而信息技术，对以前任何历史时代而言，都是高新技术。所以，所谓高新技术，就是人类在发展中，不断发现、发明的，比之以往更优越、更实用的技术。

● 新媒体艺术在欧美已经成熟了吗？

20世纪60年代，信息革命使个人电脑成为计算机的主要形式，掌握了便携式摄影录像设备的艺术家，开始将这一媒体用于艺术表现，新媒体艺术由此开端。70年代初，欧美许多大众电视台纷纷设立实验电视节目，尝试在大众电视网中接纳实验性的艺术作品，并提供将新技术与艺术思潮结合的实验场所。这些实验电视中心，为艺术家提供最新的设备，与技术人员合作的机会，直接促成了许多令人耳目一新的电子视觉，造就了录像艺术的第一代大师，同时也刺激了新技术的创造性运用。如1973年，录像艺术家白南准(NAN JUN PAIK)与工程师阿比合作，开发了同步混像器，今天这已成为电视编辑的基本功能之一。70年代末期，美国的福特基金会、洛克菲勃基金会等，减少对大众电视实验性节目的资助，转而直接资助艺术家，国家艺术基金也开始赞助非赢利性的媒体艺术中心。这些媒体中心提供了比电视台更民主的方式，也更容易接触到新的数字化技术，这些中心创作的录像作品较少在电视网中播出，而是在博物馆和画廊展出。于是，艺术家开始考虑将电子媒体与传统视觉艺术的空间结合起来，这就促成了录像装置的成熟。

从80年代开始，录像艺术在各种国际艺术大展上出尽风头，它以新技术的强大威力，以传统媒体无法抗衡的敏感性、综合性、互动性和强烈的现场感，在国际艺术大展上频频亮相，成为与架上艺术、装置艺术并驾齐驱的主要艺术媒介。90年代以后，世界各大艺术馆，不但纷纷举办专门的录像展览，还先后设立了录像部门或制定录像计划。世界各地的艺术机构定期举办录像节，推动新媒体艺术的传播和交流。近年来，由于个人电脑日趋成熟，许多作品以互动多媒体光碟的形式出现，1998年的波恩录像节为多媒体作品专门设立了奖项，互联网作品也正在蓬勃发展中。

到了今天，新媒体艺术已经发展成单频录像带作品、录像装置作品、多媒体光盘和网络艺术的大家族。与之配套的各种培训、服务和研究机构也应运而生。培训中心如欧洲的EDA，研究机构如法国的皮埃尔·夏尔费国际影视创作中心，英国的LUX CENTER，德国的ZKM等。此外还有许多半赢利的制作中心，以低于商业价格的水平向艺术家开放。对新媒体艺术的资助，大量来自高科技公司的文化基金，如柏林录像节由苹果电脑资助，汉堡录像节由西门子资助，卡赛尔文献展的技术部分由IBM和SONY赞助。对新媒体艺术的支持提升了公司的文化形象，展示了新媒体的艺术魅力与技术潜能，在新媒体艺术与新技术之间形成了良性循环的关系。

在媒体工业与相关政府机构的支持下，不少媒体艺术乌托邦相继成立，其中最知名的有位于德国卡斯鲁尔（KARLSTUHE）的“ZKM”（CENTER FOR ART AND MEDIA）、奥地利林兹（LINZ）的“AEC”（ARS ELECTRONICA CENTER）及日本东京的“ICC”(INTER COMMUNICATION CENTER)等，目的是为了促进当代艺术与科学的对话。ZKM成立于1990年，1997年10月正式开始运作。是世界上第一个唯一以“互动艺术”（INTERACTIVE ART）为主题的博物馆。它的宗旨是创建一个艺术与科技相结合的大实验室与媒体城，一个将掀起新视觉运动的“新包豪斯”。ZKM是典型的德国式企业经营方式，在大型企业如西门子赞助商与创馆馆长克罗兹（HEINRICH KLOTZ）的理念下，希望延续包豪斯时期的理念，继续成为一个与工业结合的艺术殿堂，以印证所谓的“第二次现代”理念。ZKM成立的构想，缘自德国一个地方政治人物LOTHAR SPAETH的想法，他希望设立针对艺术与媒体科技，特别是视觉影像、音乐新闻的研发机构，并且选择了前法兰克福国家建筑博物馆创办人克罗兹为计划主持人及馆长。该馆主要是发展媒体创作、收藏、展示及推广德国科学文化，1992年起举办“MULTIMEDIALE”多媒体艺术双年展，以展示其媒体艺术收藏品、国际知名媒体艺术家和中心艺术家作品。

从新媒体艺术在欧美的发展，我们可以很清楚地看到，这种艺术形式的产生，一开始就与商业利益紧密地挂在一起，所以，它更多的不是展示艺术，而是展示新技术产品，参观这种新媒体艺术展，给人的感觉更象是参观商品展销会。

● 我们准备好了吗？

喜新厌旧是人类的天性。创造新技术，利用新技术，是人类社会进步的必然。在中国IT产业和欧美新媒体艺术的双重冲击下，中国的新媒体艺术开始在近乎朦胧的状态下起步。

新媒体艺术，不但中国的大众感到陌生，就是中国的艺术家们也并没有完全理解和认同。但是，和世间一切事物的发生与发展一样，新媒体艺术也不是等你完全理解和接受，才走进你的世界，不论你喜欢不喜欢，它总是按着自己的规律破门而入。新媒体艺术在中国的发展大约始于20世纪80年代末，到90年代中期，开始出现一批较优秀的作品和成熟的艺术家。1996年9月，在杭州中国美术学院画廊，举办了名为《现象与影像》的中国第一次录像艺术展。这个展览包括十几件录像装置和几个录像带作品，集中了中国第一代录像艺术的开拓者。该展在国内外获得了巨大反响，各地传媒以极大幅面加以报道，更有《文艺报》把这一事件评为当年中国美术十大新闻。该展被许多批评家定位为中国当代艺术中重要的里程碑。

1997年，在北京涌现了数个纯粹由录像艺术组成的个人展览，如《王功新个展》，宋冬的《看》录像艺术展，邱志杰的《罗辑：五个录像装置》个展。这标志着中国新媒体艺术家不但作为创作群落成为焦点，也开始以个体的方式冲撞着当代中国艺术市场。更多受此影响的艺术家开始投入录像艺术创作，他们的成果在《97中国录像艺术观摩展》中得到了体现。至此，录像艺术成为中国美术界的热点，《九十年代中国美术年鉴》特辟一章，叙述录像艺术的兴起。与此同时，中国录像艺术的活跃引起了国际艺坛的瞩目，中国新媒体艺术家的作品开始频繁地出现在世界各地重要的媒体艺术节上。随着IT产业的发展，个人电脑上的编辑设备廉价并得到普及，不但录像艺术进一步得到繁荣，而且更多的艺术家着手探索互动多媒体艺术和网络艺术。

新媒体艺术在中国，算起来不过十来个春秋，但是，它却和产生它的基础——新媒体，包括声、光、电和IT产业一样，以非常惊人的速度发展和壮大起来。MOMA录像部主任芭芭拉·兰登认为：“录像艺术在中国的活跃，是在西方新媒体艺术的圆周闭合之后划出的一个新圆的起点。”虽然我们还不知道怎样才能更准确的定义新媒体艺术，也不论现在有着怎样的见仁见智的评论，更无须担心历史将怎样回眸中国新媒体艺术的发展历程，中国新媒体艺术为了画好这刚刚起点的圆，在努力着，前进着。

● 应该如何定义新媒体艺术？

新媒体艺术的先驱罗伊·阿斯科特(ROY ASCOTT)说：新媒体艺术最鲜明的特质为连结性与互动性。了解新媒体艺术创作需要经过五个阶段：连结、融入、互动、转化、出现。首先必须连结，并全身融入其中（而非仅仅在远距离观看），与系统和他人产生互动，这将导致作品与意识转化，最后出现全新的影像、关系、思维与经验。我们一般说的新媒体艺术，主要是指电路传输和结合计算机的创作。然而，这个以硅晶与电子为基础的媒体，目前正与生物学系统，以及源自于分子科学与基因学的概念相融合。最新颖的新媒体艺术将是“干性”硅晶计算机科学和“湿性”生物学的结合。这种刚刚崛起的新媒体艺术被罗伊·阿斯科特称之为“湿媒体”（MOIST MEDIA）。

新媒体艺术的表现形式很多，但它们的共通点只有一个，那就是——使用者经由和作品之间的直接互动，参与改变了作品的影像、造型、甚至意义。他们以不同的方式来引发作品的转化——触摸、空间移动、发声等。不论与作品之间的接口为键盘、鼠标、灯光或声音感应器、抑或其它更复杂精密、甚至是看不见的“板机”，欣赏者与作品之间的关系主要还是互动。连结性乃是超越时空的藩篱，将全球各地的人连系在一起。在这些网络空间中，使用者可以随时扮演各种不同的身份，搜寻远方的数据库、信息档案、了解异国文化、产生新的社群。

英国当代艺术研究中心新媒体部主任BENJAMIN WEIL，曾于1998年在上海策划了《数字艺术新媒体展览》，他认为：艺术作品首先需要提出艺术家的观念，然后再由技术提出最为巧妙和聪明的解决方法，将其完成。艺术作品与每个人的思维方式有关，由观念驱使的创作是艺术性的创作，而如果仅仅通过技术实现的创作就不能称为艺术创作。这恰好阐明了新媒体艺术中，艺术创作和技术应用的关系问题。1996年，《ETIME》杂志曾经探讨过NETART和ART IN NET两者概念的差别，这首先取决是技术，还是艺术家的观念，来有效地确定和影响艺术的创作。前者是技术性的，而后者强调了创作的人文观念性，这就像在录像艺术（VIDEO ART）出现的早期同样发生过类似的争论一样，究竟是以观念利用技术，还是以技术的利用作为艺术分类的纯粹标准。

网络艺术可以给观众带来很多不同的感受，比如有的作品利用文本与表演相结合，互相阐释作品，并且向观众提供机会，制作和共同完成作品。与传统艺术不同的是，网络艺术可以让作品与更多的观众进行直接的交流。在一些国际性的网络艺术展中，提供一种叫做网络虚拟建筑（WEB ARCHITECTURE）的展示作品方式，观众在艺术家的指引和带领下看作品，并由艺术家来介绍作品的创作意图，艺术批评家也可以同时进行评论。在整个网络建筑的参观过程中，观众网上的行为方式与实际情况的差别不会太大，就像我们平时参观其它艺术展览一样。

就艺术本身而言，新媒体艺术源于20世纪60年代的观念艺术，以及由早期未来主义宣言、达达式行为和70年的代表演艺术等。沟通与合作，成为艺术家在新媒体艺术创作中关注的焦点，他们不断探索新的行为模式与新的媒材，企图发掘创造新思维、新的人类经验，甚至新世界的可能性。许多艺术家对于让观众参与到作品中深感兴趣，而艺术作品本身的定义也不再决定于它的实体形式，更多在于它的形成过程。总之，整个20世纪对于新科学的隐喻与模式的着迷，尤其是世纪初的量子物理和世纪末的神经科学与生物学，大大地激发了艺术家的想象力。

● 是艺术融入技术，还是两者都融入商业化？

然而，也有一些问题令人感到迷惘和困惑。罗伊·阿斯科特也好，BENJAMIN WEIL也好，他们很少谈及艺术家的艺术创造，更多的是谈新媒体的技术应用和掌握问题，以及新媒体艺术的市场问题，这就给人们一种错觉，新媒体艺术，最重要的不是艺术上的创造，而是如何引导艺术应用新技术占领市场。当然，这也许与新媒体艺术一诞生就与商业化结下不解之缘有关。罗伊·阿斯科特认为，对21世纪的艺术家来说，建构的问题比呈现的问题更重要。他说：“对网际网络、生物电子学、无线网络、智能型软件、虚拟实境、神经网络、基因工程、分子电子科技、机器人科技等等的兴趣，不仅关系到我们作品的创作与流通，也关系到艺术的新定义，关系到‘出现’美学（AESTHETIC OF APPARITION），以及互动性、联结性和转变性。‘出现’美学取代了旧式的‘外形’美学（AESTHETIC OF APPEARANCE）——后者只关心物体的外观和某些具体的绝对价值。然而新的‘出现’或‘形成’美学（AESTHETIC OF COMING-INTO-BEING）则试图透过科技文化的转化演变技术，与世界中看不见的力量形成互动。”

他又说：“真正有创意的数字艺术家不在于他会使用新科技，像从食谱中挑选一种烹饪法一样，而是由新科技来拓展市场、测试科技的极限、进而促成它的转变。因此，我们寻求的是具有高度反应力的智能机器与系统，它甚至还能预测我们的需求、以及展现一定程度的自我意识（但不是人工意识）。因此，置身于后生物文化中的艺术家是如何运作呢？我们必须拓展寻求新的经费来源与支持者。以画商与画廊为主的旧式市场，没有能力对待这样一种即使不全是昙花一现，但却不断在流动、在重新自我定义与自我转换的艺术。相对于艺术的传统以及它所形成的封闭性典范，我们似乎更容易接受科学的新发现与新尝试。同时，互动性传播系统中，人与人的亲密关系、以及全球网际网络中心智之间的互联性，意谓着一种新形态的精神性的出现。我们需要与科学家、高科技人员和企业，建立有意义的联盟——他们不仅挑战与测试我们的创造力与想象力，而且更提供我们编织甚至实现幻想的可能性。若这些企业尚未存在，那么我们就必须发明他们。毕竟，就在纯粹想法以及创新性行为上投资这点来说，硅谷的新创企业与新股票上市公开发行价（IPO-Initial Public Offering）和文化与观念艺术有非常相似之处！而我们这些数字、后生物艺术家在工作上进行智性与财务投资的同时，将创造新的行为模式、新的社会组织、心智与科技的关系，以及身体与仿生学、电信系统之间的相生关系。”

从罗伊·阿斯科特上面的谈话中，我们似乎得到这样的印象：新媒体艺术将逐渐融入媒体技术当中；新媒体艺术家将转化成媒体技术专家，或者被媒体技术专家取代；新媒体艺术将更加商业化；新媒体艺术将为媒体技术的存在而存在，为媒体技术的发展而发展。这就是叫人迷惘和困惑的理由。但是，不论新媒体艺术今后的走向会怎样，它必然会随着IT产业和INTERNET的发展而存在和发展下去。我们不必急于给新媒体艺术下什么样的结论。
新技术还将迅猛的发展下去，对艺术与设计的影响和参与，也会越来越深入，艺术与科学共同作用于我们的生活，或者说艺术与科学的界限将会越来越模糊，这可能是一种无法回避的现实。但是，我们也不能就此把艺术与科学等同起来，认为新技术将使艺术变成科学，或者科学成为艺术。技术追求统一性、标准化、定型化，因为只有这样才符合工业化的大批量生产；艺术追求个性化、独创性、求异性，因为只有这样才能够满足人类的审美情趣。我们可以把一种新技术作为创造艺术的手段，我们却不能把一种新艺术当成技术发明的方法。